Lugar: La Cubierta. Leganés (Madrid)
Fecha: 30 julio 2011
Asistencia: 10.000 personas
Artistas Invitados: Judas Priest, Motorhead y Saxon
Precio: 60,20 euros

Setlist Judas Priest: Rapid Fire, Metal Gods, Heading Out to the Highway, Judas Rising, Starbreaker, Victim of Changes, Never Satisfied, Diamonds and Rust, Dawn of Creation / Prophecy, Night Crawler, Turbo Lover, Beyond the Realms of Death, The Sentinel, Blood Red Skies, The Green Manalishi, Breaking the Law, Painkiller, The Hellion, The Hellion, Electric Eye, Hell Bent for Leather, You’ve Got Another Thing Coming, Living After Midnight

Setlist Motörhead: Iron Fist, Stay Clean, Get Back in Line, Metropolis, Over the Top, One Night Stand, The Chase is Better, I Know How to Die, In the Name of Tragedy, Going to Brazil, Solo de batería, Killed by Death, Ace of Spades, Overkill.

Por donde pasa la gira Epitaph no vuelve a salir el sol. Por donde pasa la gira Epitaph no vuelve a crecer la hierba. Por donde pasa la gira Epitaph no queda una maldita virgen incorrupta. Y atención, pregunta: si tienes que cruzarte en un infecto y oscuro callejón del Raval con Rob Halford, Lemmy Kilmister o Peter ‘Biff’ Byford, ¿a quién elegirías? ¿Quién te haría menos pupita? Tres de los tipos más peligrosos del heavy metal reunidos en una plaza de toros a las afueras de Madrid ante 10.000 fanáticos. ¿Es o no es como para ir con chaleco antibalas debajo de la camiseta negra de rigor?

Ya desde la lejanía podía verse la columna de humo ascendiendo hacia el cielo. Ya desde Carabanchel podían oírse los gritos de pánico de las madres tratando de salvar el honor de sus criaturas, mientras los padres dudaban si hacer lo que se esperaba de ellos o unirse a la devastación de la especie humana. En lugar de alejarnos, por supuesto, vamos hacia el epicentro perfectamente uniformados para dejar claro cual es nuestro bando, con la intención de comprobar y sentir cómo de cerca está en esta ocasión Leganés de ser engullida por el infierno. Pasada la medianoche cabría la posibilidad de que a La Cubierta se la tragara la tierra con todos sus insoportables bares dentro. Oh, eso sí sería de justicia.

Y es que la que este 30 de julio de 2011 se ha montado en este lugar es de las que hacen historia, con Saxon, Motörhead y Judas Priest compartiendo escenario uno tras otro. De nuevo akelarre jevata en el sur de Madrid apenas quince días después de que Iron Maiden y otra decena de bandas arrasaran el cercano Cerro de los Ángeles. Esta pequeña extensión de tierra no era tan heavy ni en los tiempos en que Enrique Tierno Galván se colocaba desde el salón de plenos de la capital y Barón Rojo tocaban en festivales europeos. Se comenta que la movida comenzó cuando uno de los asistentes pronunció esta temeraria frase: “Yo una caña sí me tomaba”. Después de ahí delirio y descontrol.

Delirio y descontrol de puntualidad inglesa. Curioso y sorprendente comprobar cómo el público estaba ya abarrotando el recinto desde antes del inicio de la primera actuación, la de Saxon. No hay en esta ocasión tiempo para seguir en los bares calentando motores, hoy el personal ha venido a ver los tres conciertos y está predispuestísimo para darlo todo desde que el balón comience a rodar. La parroquia heavy es la más fiel de todas y este sábado de nuevo lo ha vuelto a demostrar, pues no cabía ni un alfiler en La Cubierta. Complicado hacerse con una entrada de última hora. Ambientazo contagioso, calor, mucho calor, sudor, cuernos, guitarras, meneos de cabeza, domingo de tortícolis y recuento de moratones. Domingo de silla de ruedas.

Y salen los Saxon y el delirio de las calles de Leganés se ha trasladado a la plaza de toros. El sonido, una de las principales preocupaciones de este lugar, comienza decente y poco a poco mejora. Es aceptable, menos mal. Al menos en la arena. Que la cubierta esté parcialmente abierta ayuda a evitar los rebotes. Desde el escenario la banda desgrana un repertorio ganador con momentazos como ‘Wheels of Steel’, ‘Heavy Metal Thunder’, ‘Crusader’, ‘Strong Arm of the Law’, ‘Motorcycle Man’, ‘Denim and Leather’ y ‘Princess of the Night’. Para abrir la tarde, la cosa no ha salido en absoluto nada mal.

Sin solución de continuidad la plaza se viene abajo cuando Lemmy aparece sobre las tablas con su icónica imagen, cienes de veces imitada aunque nunca igualada. Es el jefe de todo esto y tralla al respetable sin piedad al frente de esa apisionadora que es Motörhead. El sonido se hace un poco bola, pero tras darle unas cuantas vueltas al final se traga. Pero es que ser el técnico de esta banda tiene que ser un papelón complicado. Mezclar todo esto a esos niveles tan brutales no es un trabajo precisamente sencillo.

Cumplieron perfectamente el guión esperado y repitieron el repertorio que vienen defendiendo últimamente, dejando para el final esas leyendas sónicas que son ‘Ace of Spades’ y ‘Overkill’. Ambos dos son de esos momentos que cualquier persona humana tendría que vivir al menos una vez en su vida. Son momentos de revelación espiritual en los que todo el absurdo cobra sentido. Minutos en los que comprendes para qué estás en el mundo. La grada alza los brazos extasiada y en la arena los apretones y los empujones se disparan exponencialmente. Ah, felicidad cavernícola. Esto sí, chicos, esto sí. Nos comentan que fuera del recinto decenas de personas sin entrada también lo están dando todo. Bravo.

Para entonces ya están más que amortizados las diez mil pelas de la entrada. La noche podría acabar aquí y ya habría sido todo un planazo. Pero resulta que aún quedan más de dos horas del mejor metal. Porque Judas Priest son, junto a Iron Maiden y Scorpions, los reyes, los dioses de todo esto ochentero que tan grande fue y que aún se mantiene gracias a un público que no sabría vivir de otra manera. Y sale Rob Halford con sus pintas y dices guau, ahí le tienes. Acojona. Icono tras icono esta noche, demasiado fuerte para muchos.

Suenan ‘Rapid Fire’, ‘Metal Gods’, ‘Heading out to the Highway’. Suenan muy bien, potentes, duros. ¡Esto es heavy metaaaaaaal! No está KK Downing pero resulta que Richie Faulkner es un sustituto más que solvente y que nos recuerda, seguramente estúpidamente, a Randy Rhoads. Desgranan los temas y viajamos años atrás, a los tiempos del Studio Rock, los bajos de Argüelles, el Canci, el Disco Cross. Los 10.000 asistentes lo cantan absolutamente todo. Se les nota que también están haciendo sus propios viajes astrales, se están reencontrando con su última esencia.

Por fin suena ‘Turbo Lover’, que será una pastelada y todo lo que queráis, pero para mi el concierto se acaba ahí, en mi preferida. Todo el fin de semana cantándola. Y sí, vale será gay y tal, pero es un himno metalero de estadio perfecto. Halford hace cantar mucho al público, se dosifica, pero cuando quiere lo peta a tope. Además, tiene una presencia a prueba de bombas. El espectáculo fluye con suavidad -la parte central quizás perdió algo de intensidad- gracias a unas canciones que lo soportan todo, de manera que los músicos ni si quiera tienen que esforzarse. El paso de los años no perdona, pero Judas Priest siguen ofreciendo mucho más que casi todos los demás.

Y es que tienen ‘The Green Manalishi’, ‘Breaking the Law’ (vendémelo cantado a coro) y esa bestialidad que es ‘Painkiller’ y que provoca miles de caras de satisfacción. Casi éxtasis. Mucho niño entre el público alucinando en colores. La grada puesta en pie. Muchas guitarras imaginarias llegaron a sonar milagrosamente. ¿Es eso posible? Sí, lo es y punto. Los bises son incontestables con ‘Electric Eye’, ‘Hell Bent for Leather’, ‘You’ve Got Another Thing Coming’, y se cierran con la fiesta definitiva del ‘Living After Midnight’. Canción con miles de historias detrás, todas ellas siempre noctámbulas y cervezeras.

El público se retira no feliz, sino lo siguiente. Han sido más de cuatro horas de excelencia metalera. La última gran gira de Judas Priest (sólo darán conciertos puntuales, aseguran) es una lección magistral de cómo se hacen las cosas. Una lección de oficio aprendido a lo largo de décadas. Las tres bandas están lejos de sus mejores momentos, pero es que sería estúpido pedírselo a músicos que rondan la sesentena. Sin salirse del guión en ningún caso, todo ha sido así porque así ha sido siempre y así tiene que seguir siendo. Una noche de menos a más pero que ya empezó muy arriba gracias a Saxon, y que se disparó con la furia de Motörhead. Nos vamos por ahí y en la rotonda de Butarque nos adelanta una moto escupiendo fuego y con Rob Halford enseñando el dedito al resto de conductores. Nadie le discute, todos achantamos. Tu eres el metal, chato.

EN ALGÚN MOMENTO DE ESTE LUNES PUBLICAREMOS FOTOS PROFESIONALES.

“I didn’t tell anyone at Geffen about Sweet Child O’Mine, and I buried that song towards the end of side-two. I did that because I knew that promotion people and radio people at that time very rarely listened past the first two song to be discovered until later. And my reason was that Guns N’Roses needed to start based on it’s punk roots. And that song was way too refined. In some ways it was almost like a song for the second album. But I figured, if we buried it on side-two, we’d eventually get to it and there would be enough of a buzz and a base on the band that we would get an opportunity to take a shot at a song like that to mainstream radio. So I didn’t tell anyone that. It was my little secret” - Tom Zutaut. Y el secreto se descubrió en 1988 y…

El hard rock de ahora es como querer irte de pilinguis y ver que sólo tienes dinero como para estar media hora en algún piso cutre. Que al final lo haces, pero no es lo mismo. Que sí, que en Matalascañas del Pinar hay unos tíos que versionan Paradise City y tienen un EP que está bastante bien… pero, por favor, Krishna, necesito un Appetite for Destruction. El mundo necesita antihéroes y necesita Guns N’Roses, necesita a un grupo que se lleve todo y a todos a la mierda, incluyendo a ellos mismos. Estoy saturado de grupos que imitan a Mötley Crüe. El mundo necesita a Axl Rose. A otro. Al de ahora, no. Yo no pagaría por ver a un tío que sale al escenario con dos horas de retraso y cantando como canta. ¡Pagaría por ser él! Que es algo que no termino de entender. ¿Para qué quiero verle, si ya tengo los discos? ¿Me voy a hacer amigo suyo, vamos a ir a tomar algo? ¿Qué cojones? El caso es que los villanos son necesarios, los cretinos también, el rock más todavía, haced la suma. Este post más bien debería titularse One in a Million, es la gran canción de toda esta historia. No sé, necesitamos a alguien ofensivo, cuya sola existencia joda, que sea un demonio, homófobo pero que se deje manosear por travestis, racista pero que se lo monte con negras, machista pero que escriba baladones, algo auténtico. No entiendo porqué disgustan tipos como Eminem con la vidilla que dan. Si no puedes odiar a nadie, ¿Dónde está la gracia? ¿Qué sería de la gente que disfruta con la política? El ser humano está programado para odiar tanto como para querer, no odiar no es sano. ¿De verdad te gusta ver tanto kebab por la calle? Es normal que no te guste ver cómo abren negocios por todas partes. Además, dan mal rollo. A un pijo, además de por llevar el jersey al cuello y la gomina, es normal odiarle por tener tanto dinero. Todas esas tonterías del proletariado son un montón de tíos que no tienen dinero y quieren tener dinero y odian al que tiene dinero por envidia. ¿Deseo de igualdad? ¡No me lo creo! ¿Pero no inventaron el sindicalismo los sindicalistas?

Pues eso, que hace falta alguien a quien odiar. Yo me esfuerzo, pero no soy tan bueno como Axl, nadie ha tenido la grandeza de escribir algo tan perfecto como One in a Million diciendo tanto, con tanta precisión, dando a todo el mundo. Porque ésa es la idea. Lo fácil es alinearte con un bando, eso no tiene mérito, lo grandioso está en joder a todos por igual, y ahí como Axl no hay nadie. A mi padre le cae de puta pena. Eso es genial. ¿Quién odia al tío de Coldplay? Nadie. Te ríes de él pero odiar lo que se dice odiar, pues no. Y amarle, bueno, le amarán cuatro locazas porque siempre las hay, es estadística, hay más fans mujeres que hombres, pero ya me entendéis. De la misma manera que es muy difícil querer a alguien de verdad, odiar a alguien con toda tu alma, también. Y, Axl, te odian, te adoran, de hecho gente a la que tú insultas explícitamente, pero también te odian tío. Y eso te hace muy grande. Yo me lo tomo más como algo antropológico, pero ya sabes que te quiero, Axl. En todas las facetas. Si Chinese Democracy no estuviese lleno de auténticas mierdas como Riad N’ the Bedouins o This I Love y fuese una obra maestra de principio a fin, no sería lo mismo. Pocas veces he visto una devoción tan ciega hacia una persona. Siempre me encantará aquello que dijo de que si las mujeres le conociesen, le odiarían. Y luego ver a un montón de tías diciendo que les encanta que diga eso y que eso hace que les guste más. En serio, ¿quién es el idiota en esta historia? Axl, eres grande. ¿Tan difícil es volcar toda tu ira en música? Todo el mundo está enfadado, tiene que haber alguien. Que sí, que luego piense que igual se ha pasado y no tendría que… no, tampoco, que no se arrepienta. Todos esos famosos que estando enfarlopados escriben algo en su Twitter y luego salen pidiendo disculpas son unos capullos. Si es que es natural cagarte en algo o alguien, es un acto reflejo. El ser humano necesita despertarse de tanto bromuro intelectual. Si la transgresión está programada por franjas horarias. Eso no vale una mierda.

Ah, nadie se acuerda de G N’ R Lies. Nadie se lo esperaba. Axl era el puto amo entre otras cosas también por aunar macarrismo white trash con tener clase. ¿Ir a Crashdiet? ¿Y mancharme? Ni de coña. Si la camisa vale más que la entrada no merece la pena. Pero venderíamos a nuestras madres por estar en el Ritz en 1988. Al menos a la mía. Claro que la he vendido hipotéticamente mil veces. Debo de tener cientos de almas o es que el Diablo no hace tratos con inútiles. Appetite for Destruction fue censurado por todas partes y nadie quería emitir el videoclip de Welcome to the Jungle. Estamos terminando el verano de 1987. Y Geffen les manda con buen criterio de gira con los Cult de Electric. Es decir, los dos mejores grupos de hard rock de finales de los 80′ presentando los dos mejores discos de hard rock de finales de los 80′. De alguna manera la situación de 2011 es parecida a la de 1987. Todo está muy calculado y milimetrado. Y U2 y Bon Jovi generan tantos cientos de millones ahora como entonces. Su gira europea fue un tanto catastrófica sobre todo en Inglaterra, donde no les pillaron el punto al principio, pero de vuelta a Estados Unidos la cosa cambió. Las peticiones a MTV para que retransmitiesen Welcome to the Jungle eran desbordantes. Las giras posteriores con Mötley Crüe y Alice Cooper terminaron con ellos tocando con Jane’s Addiction de vuelta en L.A. En cualquier caso, si queréis conocer realmente qué pasó durante el ascenso a la fama, que fue menos meteórico de lo que muchos creen, comprad Reckless Road. Ni siquiera hace falta saber inglés, sólo con las fotos es suficiente. Tom Zutaut lo explica: “MTV said ‘We will never play this band because they are drug addicts, they are scary, and the cable operators have threatened to drop MTV off cable’… We sold 200.000 units by word of mouth only. People who are buying the record are people seeing them open for Mötley Crüe or The Cult and they are telling their friends. Honestly, it was like a clockwork“. David Geffen optó por jugársela. Y entonces Guns N’Roses explotaron.

¡Un abrazo a George Michael, desgraciados!

Lo de que Nirvana llevó lo underground a las masas, caca. No ha habido nada más arrastrado y muerto de hambre en relación fama/miseria que Guns N’Roses. ¿Unos Reckless Love? ¿En serio? Are you talkin’ to me? En una entrevista a Vicky Hamilton, la que fuese mánager del grupo antes del fichaje por Geffen, lo decía muy claro: “Still to this day, there aren’t bands that can rival what Guns N’Roses did and who knows if there will ever be…“. Con Sweet Child O’ Mine la cosa reventó finalmente y con la publicidad extra de contar con dos muertes en su historial durante el Monsters of Rock de Donington en 1988 por una avalancha, con el consiguiente título de ser lo peor de lo peor y el grupo de rock más peligroso y malo maloso del mundo mundial, la cosa definitivamente se salió de madre. Gracias a telonear a Aerosmith, entraron definitivamente en la liga del rock de estadio. Y, lógicamente, había que aprovechar el momento y grabar la continuación del Appetite for Destruction mientras sus creadores siguiesen vivos. El único que estaba relativamente sobrio era el propio Axl, y, en especial, Slash y Adler estaban virtualmente muertos; Steven sería sustituido hasta por el mismísimo Don Henley de lo jodido que llegó a estar para siquiera poder tocar. Duff llegó a dejar el grupo en plena gira con Iron Maiden para casarse con Mandy Brixx, que era… era rubia, se supone que trabajaba como “modelo”. Estaba buena en cualquier caso, así que bien por Duff. Obviamente se divorciaron en cosa de año y algo, Duff se casó con otra “modelo”, esta vez con Linda Johnson, que también estaba buena, y se volvió a divorciar, y luego… esperad, estoy desvariando. El caso es que en Geffen estaban viendo que su gallina de los huevos de cuero había trasladado su estilo de vida autodestructivo desde el submundo angelino al megaestrellato más delirante y en cosa de un año ya tenían todos los vicios posibles. Y eso había que registrarlo. Pero Axl decidió que no. Que él no quería que su debut marcase el resto de su carrera.

Así, teniendo en cuenta que las canciones del Appetite for Destruction en realidad ya estaban prácticamente hechas desde 1985 y 1986, hasta 1991 con los Use Your Illusion no quedó satisfecho. Así que llegaron a un acuerdo. Cualquier cosa que estuviese firmada por Guns N’Roses era un filón, y lanzaron dos EP juntos: G N’ R Lies. Sobra decir que vendieron millones de copias. La primera cara eran cuatro temas en falso directo publicados en 1986 nada mas fichar por Geffen; en su momento se lanzaron 10.000 copias y para 1988 era el Santo Grial. El Live ?!*@ Like a Suicide era brutal, apoteósico, incendiario y todo lo que queráis, pero no había nada que no estuviese en muchos de los tremendos bootlegs de la época, en los que sonaban temas que nunca llegaron a publicarse oficialmente como Shadow Of Your Love y las monstruosas versiones de Whole Lotta Rosie, Heartbreak Hotel y Jumpin’ Jack Flash, la cual en algunas tomas es directamente apocalíptica. En todo caso, y gracias a unos retoques mínimos pero que, las cosas como son, hacían que sonasen mejor que grabadas por algún tipo con una cinta en mitad del concierto, Reckless Life, Nice Boys Don’t Play R’n'R, Move to the City y Mama Kin son esenciales. Tienes al mejor grupo de hard rock surgido en estos treinta años en estado puro, completamente desatado y fuera de sí. Lo fácil sería decir que Axl canta como un demonio, pero es que Duff, Izzy, Steven y Slash están igualmente desencadenados. He buscado todo grupo de hard rock habido y por haber después de escuchar a los Guns N’Roses originales. Y no, se tiene o no se tiene. Ellos lo tenían, los demás no. Este EP era previsible en cualquier caso, lo que nadie esperaba era una segunda cara compuesta por cuatro temas acústicos, colocados en escala ascendente de exquisita censurabilidad. Patience es una de las mejores baladas acústicas del rock y el clásico y single de este EP. Eso lo sabe todo el mundo. La canción mojabragas necesaria que fue grabada como las otras tres en un día escaso para alivio de Mike Clink.

Used to Love Her ya se sale del guión siendo machista y violenta, con Axl soltando una de esas frases para la posteridad que tanto escandalizó al sector jedi: “I used to love her, yeah, But I had to kill her, I had to put her six feet under And I can still hear her complain“. El ritmo recuerda a la también cáustica Dead Flowers de los Stones y te da un intenso gustirrinín, al igual que You’re Crazy, la cual ya salía en el Appetite for Destruction y que aquí retocan para convertirla en algo igual de hiriente; “When I was younger I knew a Motherfucker like you, and she said, ‘You don’t need my love, You wanna satisfaction’, Bitch You don’t need my love, You’ve got to find yourself another piece of the action“. Y si para estas alturas en Geffen ya tenían un intenso dolor en su fistro duodenal, Axl se superó a sí mismo y creó la gran oda a la white trash, a todos los marginales por voluntad propia, y orgullosos de serlo, One in a Million, esa canción que te pones en el Facebook y todo el mundo le da al “Me Gusta” sin saber qué cojones es lo que está diciendo ese sociópata. Luego leen la letra y comentan que es que instrumentalmente es muy buena. Una mierda. One in a Million es la historia del propio Axl, la de un crío que se bajó de un autobús en la jungla angelina tras dejar Indiana para convertirse en la estrella de rock definitiva. ¿Que dice “nigger”? ¿Y qué? “Don’t need to buy none of your gold chains today“. Él era un paria rodeado de bandas en los peores barrios de América, lo que dice es pura lógica. “Immigrants and faggots They make no sense to me They come to our country And think they’ll do as they please Like start some mini Iran, Or spread some fuckin’ disease They talk so many goddamn ways It’s all Greek to me“. ¿Dice alguna mentira? C’mon! ¿De verdad no habéis pensado esto nunca? Es sencillo: “Radicals and Racists Don’t point your finger at me I’m a small town white boy Just tryin’ to make ends meet Don’t need your religion Don’t watch that much T.V. Just makin’ my livin’“. Sobran falsos mesías, faltan antihéroes, falta Axl.

Hace tres añitos, cuando puse en marcha este blog, empecé mi andadura realizando análisis de los para mí mejores discos en directo de la historia del rock. Ahora, esas entradas han quedado bastante enterradas pero he querido recuperarlas para vosotros con una serie muy veraniega: Los 10 mejores discos en directo de la historia del rock.Así que nos vamos del 10 al 1 a ver si coincidimos en gustos

Proud Mary es un tema que John Fogerty compuso allá por 1968 y que fue incluido en el segundo disco de su banda, Creedence Clearwater Revival, llamado Bayou Country, editado en enero de 1969. La canción fue un auténtico éxito llegando al segundo puesto en las listas americanas. Sería solo el principio ya que los siguientes 4 singles del grupo llegarían al mismo puesto. Pero estamos en la semana de la mujer así que de los Creedence hablaremos mejor otro día (se lo merecen).

Os cuento todo esto porque una mujer, Tina Turner (por aquel entonces miembro del dúo Ike and Tina) tuvo su mayor éxito hasta la fecha en 1971 al versionear, de manera magistral en mi opinión, este tema de John Fogerty y creo que se merecía de sobra estar en la semana de la mujer así que ladies and gentlemen… Ike and Tina Turner… Proud Mary!!

Era imposible hacer una semana de la mujer en La Gramola de Keith y no dedicarle un post a una de las grandes cantautoras de la historia de la musica americana, Joni Mitchell y más concretamente al que fue su cuarto disco de estudio, Blue, uno de los mejores discos de la década de los 70.

Blue se editó en marzo de 1971. Estaba previsto incluir en el disco tres temas que habían sido descartados en los discos anteriores de la cantautora, pero a última hora solo uno de los tres pudo incluirse ya que Mitchell compuso dos grandísimos temas como All I Want y The Last Time I Saw Richard. Hace poco volvi a ver una gran película dirigida por Cameron Crowe, Casi Famosos, una pelicula de la que creo que ya he hablado en alguna ocasión en La Gramola y es que, probablemente sin esa película no existiría esta página web. En la escena en la que William (el protagonista de la pelicula) descubre los discos que le ha dejado su hermana se ven vinilos como Tommy de The Who, Get yer ya ya’s out de Rolling Stones y este Blue de Joni Mitchell, disco que en otra pelicula, Todos están bien, recientemente nominada a los oscar 2011 es protagonista de todo un debate con canción incluida.

El disco fue un auténtico éxito de crítica y público llegando al tercer puesto en las listas británicas y al 15 en el Bilboard 200 americano. En 2003, la prestigiosa publicación musical Rolling Stone lo situó en el puesto 30 de los 500 mejores discos de la historia de la música, en el 2000 fue elegido primero en la lista de los 50 mejores discos de artistas canadienses, en 2007 Bob Mersereau lo situó segundo en su libro “Los 100 mejores discos canadienses”, solo por detrás de Neil Youg y su Harvest, en 2002 Q magazine lo situó octavo en la lista de mejores discos femeninos de la historia y así podríamos seguir todo un día pero creo que lo mejor es oir algunos de esos temas que hacen que este sea un disco tan especial, temas como A case of you, Carey (que os dejo en video en directo) o el que da nombre al disco.

Una panzada de Journey: la banda se presentó en el programa de TV yanqui “Today”, dentro de un ciclo patrocinado por Toyota. Y aquí está el show completo, en orden de llegada “Don’t Stop Believin‘”, “City of Hope” (ver videoclip del tema) y “Any Way You Want It“. ‘Njoy.

Visit msnbc.com for breaking news, world news, and news about the economy

Visit msnbc.com for breaking news, world news, and news about the economy

Visit msnbc.com for breaking news, world news, and news about the economy

Por Rafa Beatman: Ottawa es, a pesar de sus largos y gélidos inviernos, una ciudad agradable para vivir. Situada en el extremo sudeste de Canadá y próxima a los confines de las provincias de Ontario y Québec, ofrece a diario una interesante y variada oferta de ocio. Su población, con un promedio de edad relativamente joven, disfruta de un envidiable nivel de vida propiciado por el auge de una

Este es el nuevo grupo de MATT ABTS, uno de los mejores baterías del mundo en la actualidad, creador de esa máquina de fabricar música que es GOV’T MULE. Mientras La Mula está descansando y WARREN HAYNES está con su nuevo proyecto, el simpático MATT ha reunido a un grupo de amigos y se dispone a sacar un disco de debut. Aún no conocemos la portada pero sí el track listing y cómo suena, pues está ya listo y dispuesto por entero en este enlace que os dejo. Yo lo estoy escuchando ahora, mientras escribo, y no suena nada mal. Los chicos están de gira por EEUU pero dudo que recalen por aquí.

Nuevo video de Work of Art para el tema “The Great Fall”, incluido en su próximo disco ‘In Progress’, a editarse por Frontiers el 26 de agosto. De esta forma, Lars Safsund (voz y teclados), Robert Sall (guitarra) y Herman Furin (batería) hacen su esperado regreso con un sonido un tanto más rockero que en su debut.

Esta es la programación de la Semana Grande de Bilbao, que tendrá lugar entre el 20 y el 27 de agosto, con un poco de todo. Simple Plan, Asfalto, Medina Azahara, Sergio Dalma, La Fuga, The Chieftains…

SÁBADO 20

ASFALTO + MEDINA AZAHARA. BOTIKA VIEJA 24:00
PRIMITAL. PLAZA NUEVA 23.30h
SERGIO DALMA. ABANDOIBARRA 23.30h
Pumara y Deborah Ombres TXOSNA PINPILINPAUXA A partir de las 00:30

DOMINGO 21

SIMPLE PLAN. BOTIKA VIEJA 24:00
JOANA AMENDOEIRA. PLAZA NUEVA 23.30h
HOSTOAK ABANDOIBARRA 23.30h
EL SON DE LA CHAMA + CHALWA BANDTXOSNAS 23.30h
Elbis Rever

LUNES 22

KEN ZAZPI. BOTIKA VIEJA 24:00
ALPHEUS. PLAZA NUEVA 23.30h
THE CHIEFTAINS. ABANDOIBARRA 23.30h
FEOS PERO MAJOS + BLACK STAR TXOSNAS 23.30h
Angelita la Perversa TXOSNA PINPILINPAUXA A partir de las 00:30

MARTES 23

LA FUGA. BOTIKA VIEJA 24:00
PEPE RIVERO Y SU BIG BAND CUBANA PLAZA NUEVA 23.30h
AINHOA CANTALAPIEDRA + MERCHE ABANDOIBARRA 23.30h
DJ BULL TXOSNAS 23.30h
Fiesta Pinpi TXOSNA PINPILINPAUXA A partir de las 00:30

MIÉRCOLES 24

MADDI OIHENART + AMAIA ZUBIRIA PLAZA NUEVA 23.30h
KAOTIKO + GATIBU BOTIKA VIEJA 24:00
WOP + KEPA JUNKERA ABANDOIBARRA 23.30h

JUEVES 25

MUSICA ELECTRÓNICA BOTIKA VIEJA 24:00
PEPE HABICHUELA Y LA FAMILIA CARMONA PLAZA NUEVA 23.30h
BRILLANTINA (GREASE MUSICAL) ABANDOIBARRA 23.30h
HABANA 537 + AKASKARLA TXOSNAS 23.30h
Calcetines y Cachetes TXOSNA PINPILINPAUXA A partir de las 00:30

VIERNES 26

MELENDI BOTIKA VIEJA 24:00
TRAVELLIN´ BROTHERS PLAZA NUEVA 23.30h
MALÚ ABANDOIBARRA 23.30h
Ciclos Iturgaiz + Las Fellini TXOSNA PINPILINPAUXA A partir de las 00:30

SÁBADO 27

BALKAN BEAT BOX PLAZA NUEVA 23.30h
GALA INTERNACIONAL DE BALLET ABANDOIBARRA 23.30h
Barrio Tomillo TXOSNA PINPILINPAUXA A partir de las 00:30

Vía y gracias a
www.stereozona.com